En este Wix aparece una de las partituras que trabajaremos próximamente: Love me tender, de Elvis Presley. Esta famosa canción no es sino una adaptación de una balada que se cantaba en la Guerra Civil Norteamericana llamada Aura Lee, compuesta por W.W. Fosdick (letra) y George R. Poulton (música) allá por el año 1861. Casi cien años después, Elvis realizó su propia versión para incluirla en el film de su debut cinematográfico, Love Me Tender, estrenado el 15 de noviembre de 1956. Como curiosidad, destacar que Elvis interpretó esta canción por primera vez en el Ed Sullivan Show en el mes de septiembre, poco antes de la salida al mercado del single y del estreno de la película. Gustó de tal manera a la audiencia que al día siguiente su compañía de discos ya había recibido un millón de pedidos por adelantado, convirtiéndose en disco de oro incluso antes de su lanzamiento.
Está considerada por la revista Rolling Stone como una de las 500 grandes canciones de todos los tiempos y ha sido versionada por intérpretes tan dispares como Frank Sinatra, Norah Jones o Thalía.
Pinchando en la imagen superior accederás a la letra original y su traducción al castellano, a la partitura (para ser cantada con acompañamiento de instrumentos orff y guitarra) y a tres vídeos: el de Elvis, la balada Aura Lee y un magnífico documental en el que familiares y amigos nos cuentan cómo era y qué supuso para ellos el Rey del Rock.
Animación: Preludio de la Suite Nº1 de J.S. Bach para cello.
2 comentarios Publicado por Óscar a las 23:11Baroque.me es el título de esta estupenda animación musical realizada por Alexander Chen. En ella nos ofrece una visión personal y poco usual del conocido preludio de la Suite Nº1 en Sol Mayor, BWV 1007, de Johann Sebastian Bach. Observa cómo con unas cuantas líneas y un par de círculos se puede hacer una pequeña obra de arte.
Para escuchar el preludio en su versión original, pincha aquí.
Aquí tedes o Wix que elaborei como complemento ao Tema 1 do libro de 3º de ESO. Convén que lle botedes unha ollada porque en nada temos o exame e pode que vos axude a poñer en claro algúns conceptos. Para acceder a el, fai click na imaxe que vén a continuación.
A los alumnos de 3º de ESO: aquí os dejo el vídeo que proyectamos en el aula. Como andamos escasos de tiempo, únicamente pudimos ver un pequeño fragmento, así que ahora tenéis la oportunidad de volver a verlo con más calma y en su totalidad. Prestad atención a la parte inicial del mismo, ya que es ahí en donde se explican los orígenes de la notación musical, apartado incluido en el tema La Música en la Edad Media I del libro de texto. Os servirá para complementar la información recibida en el aula.
Hoy os hablé en clase de un cómic en el que se relata de una forma bastante explícita la evolución de la música desde la Prehistoria hasta nuestros días. Aquí os lo dejo para que lo descarguéis y le echéis un vistazo cuando os apetezca. Haz click en la imagen y guárdalo en tu ordenador, te divertirás al tiempo que aprendes muchas cosas interesantes. (Cuando estés en la página de descarga, espera a que pasen los 15 segundos de publicidad).
3º ESO. Descubrir la Música: La Canción de las Campanas, de Leroy Anderson
3 comentarios Publicado por Óscar a las 19:56Nacido en Cambridge, Massachusetts, en el año 1908, Leroy Anderson está considerado como uno de los principales compositores de música orquestal ligera. Especializado en piezas breves, reflejaba en ellas el gran sentido del humor que le caracterizaba. Desde pequeño tuvo relación con la música, debido a que sus padres, emigrantes suecos que habían llegado años antes a EEUU, eran ambos músicos aficionados. Estudió en la universidad de su ciudad, siendo más tarde director de la banda oficial de ésta entre los años 1932 y 1935. En este mismo año entró a formar parte de la prestigiosa Orquesta Boston Pops como arreglista y pianista, componiendo también para ella algunas piezas. Durante la Segunda Guerra Mundial ejerció como lingüista del ejército norteamericano en Islandia. Su obra "Blue Tango", escrita en el año 1951, fue la primera obra instrumental que vendió más de un millón de copias. La que protagoniza esta entrada, "Song of the Bells", fue compuesta dos años más tarde y, con la célebre pieza "The Typewriter", es también una de las más populares. Su música es desenfadada y vitalista, con un toque de humor, muy influenciada por el jazz americano y sigue estando de actualidad ya que aparece constantemente en anuncios y películas. Ahora dale al play y sigue la música con la partitura que aparece en el libro de texto. Por cierto, en la aplicación también aparecen las otras dos obras que hemos citado aquí.
Después de algún tiempo sin publicar nada en el blog, al fin me he decidido a escribir la primera entrada del nuevo curso. En ella, el protagonista vuelve a ser el israelí Adam Ben Ezra, músico que ya os había presentado aquí hace unos meses. En esta ocasión versiona de una manera un tanto peculiar la banda sonora introductoria de una de mis series de televisión preferidas, y que muchos de vosotros conoceréis: Dexter. Desde el principio me pareció que la ambientación musical de esta serie era magnífica, y parece que no soy el único que piensa así. De Ben Ezra ya sabíamos que era un gran músico, pero ahora se destapa también como un actor de altura. No pierdas detalle del vídeo, estoy seguro de que gustará. Por cierto, los instrumentos que utiliza en esta versión son el oud árabe, el clarinete y el contrabajo. El compositor es Rolfe Kent, autor de la música de otras muchas bandas sonoras, y que podéis escuchar en su página web.
El compositor y director de orquesta ruso Igor Stravinsky (Lomonósov, 1882 - Nueva York, 1971), nació un 17 de junio, fecha de hoy. Estos días aparece en la televisión como protagonista de un anuncio de una conocida marca de coches, y en él podemos ver cómo dirige el ensayo de una de sus obras haciendo gala, como era costumbre en él, de su fama de meticuloso y exigente. Hijo de un bajo de la Ópera Imperial de San Petersburgo, Stravinsky es una de las figuras más importantes e influyentes de la música del siglo XX. Tuvo una existencia longeva, motivo por el cual pudo conocer las numerosas corrientes musicales que coexistieron durante este siglo. En la gran cantidad de obras que compuso abordó varios de estos estilos, pero es conocido principalmente por el gran público gracias a la composición de tres ballets durante el período conocido como inicial o ruso: El Pájaro de Fuego, Petrushka y La Consagración de la Primavera, que es el que escucharemos en esta entrada. Estos ballets fueron creados por encargo de Serguéi Diáguilev, el empresario ruso creador de los Ballets Rusos (compañía de la que surgirían muchos bailarines y coreógrafos famosos), y presentados en París en la década de 1910. En concreto, La Consagración de la Primavera se estrenó el 29 de mayo de 1913 con Pierre Monteux en la dirección y Vaslav Nijinsky como coreógrafo. Y no dejó indiferente a nadie porque, como dicen las crónicas, el escándalo fue mayúsculo. La provocadora coreografía de Nijinski, las intensas disonancias y los fuertes ritmos asimétricos de la partitura provocaron una reacción del público tan fuerte que ni siquiera los bailarines podían oír la orquesta, pues a los pocos minutos de comenzar la función la gente prorrumpió en silbidos, abucheos e insultos a los músicos y bailarines, formándose rápidamente dos bandos enfrentados a puñetazos. El argumento tampoco ayudaba a calmar los ánimos: en él se relata el rapto y sacrificio por parte de un grupo de rusos ancestrales de una doncella al inicio de la primavera, la cual es obligada a bailar hasta su muerte para así obtener la benevolencia de los dioses al comienzo de la nueva estación...
La siguiente aplicación contiene tres vídeos: La Consagración de la Primavera en interpretación de Pierre Boulez al frente de la Orquesta de París con una coreografía espectacular (caballos incluidos), la versión aparecida en la película de animación Fantasía (1940) y el anuncio anteriormente citado. Por cierto, la música que suena en él se trata de un fragmento de su ballet Pulcinella.
Entra en esta aplicación haciendo click sobre la imagen y repasa las Escalas Mayores de la mano de Beethoven. Aunque estaba sordo, fíate, no falla ni una.
Hoy, día 10 de junio, nuestros vecinos portugueses conmemoran su Día Nacional. La elección de esta fecha se debe a que un diez de junio del año 1580 fallecía en Lisboa Luís Vaz de Camões, considerado como uno de los más grandes escritores en lengua portuguesa (algo así como Cervantes para los españoles). Es por eso que aprovecho esta celebración para presentaros uno de los grupos que más suenan actualmente en Portugal y que más me gustan: los Deolinda. Su música bebe de las fuentes de la música popular lusa y de su género más representativo, el fado, aunque, curiosamente, dejan de lado ciertos tópicos o clichés: sus letras no suelen ser tristes o fatalistas (algo bastante recurrente en el fado, sobre todo en el de Coimbra), y tampoco utilizan la guitarra portuguesa. Otra peculiaridad de los Deolinda es que los cuatro componentes están emparentados: la vocalista, Ana Bacalhau (no podía llamarse de otra manera), está casada con Zé Pedro Leitão, el bajista, mientras que los hermanos Martins, a las guitarras, son primos de Ana. Vamos, que todo queda en casa... El grupo nació en el año 2006, cuando los hermanos Martins invitaron a su prima para cantar cuatro canciones que habían compuesto. Tras comprobar que su voz se adecuaba a la perfección a las melodías, decidieron continuar con el proyecto. En el 2009 iniciaron su primera gira europea, visitando Holanda, Alemania y Suiza, países que cuentan con un número importante de emigrantes portugueses. Hasta el momento han publicado dos discos: Cançao ao Lado (2008) e Dois Selos e Um Carimbo (2010). A este último disco pertenece el single Um Contra o Outro, que puedes escuchar en el vídeo que viene a continuación. Por cierto, en Coruña hay una estatua dedicada a Camões: está situada en la Plaza de Portugal (al lado del estadio de Riazor). Si algún día pasas por allí, fijate, seguro que le gustará que le hagas una visita :)
*Entrada dedicada a Anita
Un año más, el diario El Mundo publica en su edición digital una aplicación interactiva que permite consultar cuáles son los festivales musicales más importantes de este verano. Selecciona tu provincia y comprueba si hay alguno que te pueda interesar...
Conocida también como la Ópera Nacional de Hungría, la Ópera de Budapest está considerada como una de las más importantes salas de ópera europeas, así como una de las que mejor acústica poseen. De estilo neo-renacentista, fue diseñada por el importante arquitecto húngaro Miklós Ybl (1814 - 1891). Su construcción se inició en el año 1875 y se prolongó durante nueve años, siendo la propia ciudad de Budapest y el emperador Francisco José I de Austria sus principales financiadores. El edificio está ricamente decorado y, además del citado estilo neo-renacentista, cuenta con elementos del barroco. La ornamentación incluye pinturas y esculturas de figuras destacadas del arte húngaro del momento, entre las que se encuentran las estatuas de Ferenc Erkel (autor del himno nacional húngaro) y Franz Liszt, ambas en la fachada principal del edificio. El auditorio cuenta en la actualidad con un aforo de aproximadamente 1300 butacas, tiene forma de herradura y, de acuerdo a mediciones realizadas en la década de los 70 por un grupo de ingenieros, tiene la mejor acústica en Europa después de la Scala de Milán y el Palacio Garnier de París. Desde entonces se han construido muchos otros teatros de ópera, pero el de Budapest se encuentra todavía entre los mejores en cuestiones de acústica. En el año 1980 comenzó una renovación que afectó principalmente al escenario, pinturas, butacas y aforo, para reabrir finamente el día 27 de septiembre de 1984, justo 100 años después de la apertura original. Para finalizar, señalar como curiosidad que Gustav Mahler (cuyo centenario de su fallecimiento se celebró el pasado 18 de mayo), fue director artístico de la Ópera de Budapest entre los años 1887 y 1891.
Pinchando sobre la fotografía superior accederás a una actividad que he creado gracias a Educaplay, que es una plataforma gratuita para la creación de actividades educativas online. Consiste en situar correctamente cada parte del violín que nos pide el programa en su lugar correspondiente. ¡Entra en el programa y comprueba cuánto sabes acerca del violín!
A continuación os dejo un puzzle para que paséis un rato divertido intentando solucionarlo en el menor tiempo posible... :)
Aquí tenemos un nuevo arreglo de la canción Colores en el viento, de la película de animación Pocahontas. En esta ocasión, está pensado para ser interpretado a cuatro voces por carillones y xilófonos (sopranos, contraltos y bajo), aunque también se puede acompañar la melodía con la flauta. El Wix que he preparado contiene la partitura en formato PDF, el MP3 de cómo sonaría y el corte de la película en la que Pocahontas entona esta bonita canción. Pincha en la fotografía inferior para acceder a él. Espero que os guste.
O día dezasete de maio conmemórase en todo o mundo o Día Internacional da Reciclaxe. É importante que nos conciencemos e poñamos en práctica o mandamento da Triple R: Reciclar, Reducir e Reutilizar. Estou seguro de que se lle botades unha ollada ao vídeo que ven de seguido, na vindeira ocasión seredes un pouquiño máis coidadosos á hora de tirar algo no lixo. É un vídeo precioso, mirade:
Hoxe tamén se celebra o Día das Letras Galegas, que nesta ocasión está adicado á figura do poeta Lois Pereiro (1958 - 1996).
En este libro virtual están recogidas algunas de las partituras para flauta que hemos trabajado durante este curso en las clases de 2º y 3º de ESO. También aparecen algunas que tocaremos antes de que acabe el curso, así que ya tienes el material para ir adelantando el trabajo en casa. Y ya no vale eso de que "se me quedó la partitura en clase y no pude estudiar..." :-)
Descarga las partituras aquí:
En un reciente artículo de María Jesús Camino sobre la pieza Rhapsody in Blue publicado en la página EducaconTIC, la autora nos plantea, entre otras, esta cuestión: ¿Es posible fusionar con notas y ritmos musicales dos culturas totalmente diferentes?. Como bien dice, la respuesta es sí, por supuesto, y una buena muestra es la Rapsodia en Azul, obra en la que el compositor norteamericano George Gershwin fusiona la música clásica occidental con el jazz. Este es sólo un ejemplo, porque en la Historia de la Música se dan numerosos casos: el Capricho Español, de Rimsky Korsakov, o el Cuarteto Americano, de Antonín Dvorak, dan buena fe de ello. Es un tema interesante y que espero poder trabajar con vosotros en clase antes de que termine el curso.
Casualmente, ayer encontré esta curiosa versión de la Fuga en do menor BWV 847, de J.S. Bach, y en ella apreciamos cómo pueden confluir varias culturas en una misma pieza. En este caso, el exotismo de la obra no viene por parte del compositor, el gran Bach, sino por el arreglo que de la fuga ha hecho el músico israelí Adam Ben Ezra. Utiliza tres instrumentos: el oud (laúd árabe que dio origen al europeo), el clarinete y el contrabajo. El resultado es, en mi opinión, fabuloso. Oriente y Occidente se dan la mano en esta interpretación, aderezada con un toque de swing y una pizca de humor. Y me parece también muy útil para comprender la esencia de la fuga, ya que a cada voz se le asigna un timbre diferente. Venga, ¡al vídeo!
El vídeo que puedes ver en esta entrada es obra del realizador británico Philip Bloom. En él utiliza la técnica del timelapse, consistente en editar una secuencia de vídeo acelerada, y en donde los acontecimientos se suceden a una velocidad mucho más rápida de lo normal. Para la realización de vídeos con esta técnica existen varios métodos como, por ejemplo, grabar una secuencia con una vídeo cámara para luego acelerarla con cualquier editor de vídeos, o captar numerosas fotografías cada cierto tiempo para, finalmente, unir esas imágenes y obtener una película con el efecto de imagen acelerada.
En esta ocasión, el objetivo de la cámara de Bloom ha sido la bahía de Sidney, entorno en el que se encuentra uno de los auditorios más populares del mundo: la Sydney Opera House. Este auditorio ya había sido protagonista en nuestro blog de la sección Espacios de Música: pincha aquí si quieres acceder a esa publicación. La música que acompaña a las imágenes se trata del Coro a bocca chiusa (a boca cerrada), de la ópera Madama Butterfly, de Giacomo Puccini. En esta melodía, entonada por el coro sin abrir la boca, se despliega toda la finura del lenguaje musical del compositor italiano. El resultado final de la conjunción de música e imágenes en este vídeo es, sencillamente, espectacular.
Nota: activa la opción de pantalla completa en el vídeo para apreciarlo mejor.
Nota: activa la opción de pantalla completa en el vídeo para apreciarlo mejor.
Hoy empezamos a preparar con los alumnos de 4º una nueva obra: My Heart Will Go On, de la banda sonora de Titanic. En esta ocasión se trata de un arreglo a tres voces: la melodía puede ser interpretada por carillones o flautas, la voz intermedia por los xilófonos contraltos y la voz más grave por el xilófono bajo. A pesar de haberla mirado apenas unos minutos, tengo que decir que sonaba francamente bien ya, ¡felicidades!. A continuación os dejo un archivo de audio que reproduce la partitura, a la que accederéis haciendo click sobre el barco.
La Tierra de las Mil Orquestas es un documental que trata sobre la historia y los logros del Sistema Nacional de orquestas Infantiles y Juveniles de Venezuela. Este proyecto está destinado a transformar la vida de los menores de ese país mediante su integración en una red de 120 orquestas infantiles y 60 juveniles, buscando alejar de la incultura y la violencia a un gran número de jóvenes con riesgo de figurar en la marginalidad. Desde que se fundó hace casi una treintena de años por el maestro José Antonio Abreu, alrededor de 400.000 niños se han beneficiado del programa, muchos de los cuales se han convertido en verdaderas estrellas del panorama musical internacional, como es el caso del director Gustavo Dudamel. En el año 2008, este sistema de educación social y musical recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Artes por "haber formado a directores e intérpretes del más alto nivel, a partir de una confianza audaz en el valor educativo de la música para la dignidad del ser humano".
Ya comentamos en una reciente entrada que en la edición del 2011 fue Riccardo Muti el galardonado, pero el Príncipe de Asturias de las Artes ha reconocido en más ocasiones la carrera de otros grandes músicos: Bob Dylan (2007), Paco de Lucía (2004) o Joaquín Rodrigo (1996) son algunos ejemplos. Para ver la lista completa, pincha aquí y verás que no son los únicos.
Ahora dale al play y escucha qué tienen que decirte muchos de esos niños a los que se les cruzó un instrumento musical por el camino. Por cierto, puede que te resulte familiar la voz en off del narrador: se trata del gran Plácido Domingo.
Como ya os comenté en clase, aquí tenéis un resumen de lo que os entrará en el último examen de pendientes. Falta poco ya (será en la penúltima semana de mayo), así que haced un último esfuerzo para recuperar la materia que tenéis pendiente del curso pasado. Para que os sea más fácil, los apuntes que aparecen aquí están estructurados de la misma manera y en el mismo orden en que aparecen en el libro de texto, el de la Editorial Galinova, 2º. También incluí algunos vídeos que os ayudarán a comprender mejor ciertos aspectos y un listado al final del documento con las audiciones que trabajamos a lo largo del curso. De todas formas, recordad que si queréis consultar alguna cosa o resolver las dudas que os vayan surgiendo podéis pasar en cualquier momento por el aula de música. ¡Suerte! (y trabajo...).
Riccardo Muti, Premio Príncipe de Asturias de las Artes
0 comentarios Publicado por Óscar a las 22:36 |
| Riccardo Muti |
Los amantes de la música estamos hoy de enhorabuena: el director Riccardo Muti ha sido galardonado en el día de hoy con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes. Hijo de un médico aficionado a la música y una cantante lírica, estaba ya predestinado a dedicar su vida a la música y llamado a convertirse en el gran maestro y compositor que es hoy. Nacido en Nápoles en 1941, Muti demostró bien pronto sus aptitudes para la dirección orquestal. Comenzó en los años 70 al frente de la Filarmónica de Viena, y ha sido durante casi dos décadas director de la Filamónica de la Scala de Milán. Este premio reconoce ahora su trayectoria universal y su vocación investigadora. En palabras del jurado, "Muti hace honor a la tradición clásica del director capaz de extraer el espíritu de cada obra a través de las mejores cualidades de las orquestas". Con su fuerza y pasión ha recorrido escenarios de todo el mundo y recibido numerosos premios por su extraordinario trabajo. Hoy, Riccardo Muti, director de la Orquesta Sinfónica de Chicago, está considerado un maestro del repertorio lírico italiano, reconocimiento al que se une el Príncipe de Asturias de las Artes por conseguir transmitir al público el mensaje intemporal de la Música. Otros galardones recibidos con anterioridad fueron la Orden al Mérito de la República Italiana (1990) y la Legión de Honor Francesa (2010).
Ahora disfruta del buen hacer de Riccardo Muti al frente de la Orquesta de Filadelfia en la interpretación del Concierto para piano y orquesta Nº 4 de Beethoven, con el gran pianista chileno Claudio Arrau (1903 - 1991) como solista. Beethoven - Muti - Arrau... éste sí que es un tridente y no el del Barcelona FC...
Por último, pincha aquí para escuchar el discurso que ofreció Riccardo Muti tras recibir el reconocimiento como "Músico del Año" de América Musical. En él nos muestra con mucho humor qué debe hacer un director para llegar a ser grande :-)
Mis Apuntes Musicales, Finalista del V Premio Espiral Edublogs 2011
5 comentarios Publicado por Óscar a las 22:35
Este blog ha sido incluido en el listado de finalistas del V Premio Espiral Edublogs 2010, en la categoría de "Blogs de Profesores y Profesoras". Mis Apuntes Musicales figura entre los elegidos por segundo año consecutivo, motivo por el cual la alegría es todavía mucho mayor. Quiero agradecer desde aquí el apoyo de los miembros del jurado y felicitar al resto de participantes seleccionados, deseándoles toda la suerte del mundo en los resultados finales que se publicarán en unos días. Aprovecho también para recomendaros (a vosotros, mis alumnos) que os deis una vuelta por los blogs finalistas, no sólo los musicales, porque encontraréis muchísimos recursos que os servirán de ayuda a la hora de estudiar y completar vuestros conocimientos. Venga, no tengáis miedo! :-)
Por otra parte, si os apetece, podéis opinar acerca de este blog escribiendo un comentario en la página de Edublogs: para eso haced click sobre el ordenador.
Y aquí está el enlace al resto de blogs finalistas.
En los dos vídeos que contiene la anterior aplicación, la protagonista es la Cantata BWV 147, de J.S. Bach (1685 - 1750). La cantata es una forma musical compuesta sobre un tema religioso de carácter lírico en el que intervienen solos, orquesta y coros, y que está formada principalmente por arias y recitativos. Bach compuso cinco ciclos completos de cantatas destinadas a ilustrar 50 domingos y 9 fiestas por año, es decir, un total de casi 300 cantatas, conservándose en la actualidad cerca de doscientas. Cultivó también la cantata profana, aunque la mayor parte son cantatas religiosas y están destinadas al culto luterano. Los textos, en alemán, son una mezcla de versículos bíblicos, de himnos surgidos en Alemania con la Reforma y de paráfrasis líricas de diverso origen. La BWV 147 lleva por título El corazón, la palabra, los actos y la vida, y el movimiento que vamos a escuchar, Jesús, alegría de los hombres.
En el primer vídeo podrás ver un anuncio de una compañía japonesa de telefonía. Para promocionar un teléfono con carcasa de madera han tenido la feliz idea de construir un peculiar xilófono que se encargará de interpretar la pieza en cuestión. ¡Impresionante!.
En el segundo, uno de los grandes especialistas en música antigua, Nikolaus Harnoncourt, nos muestra cómo sonaría originalmente esta música.
Por cierto, si te interesa tener las letras de las cantatas de Bach en castellano, pincha aquí.
En este curso no habéis sido pocos los que me pedisteis la partitura de You Will Never Walk Alone para flauta. Aquí tenéis, pues, esta aplicación Wix en la que podréis escuchar la versión del grupo de Liverpool Gerry & The Pacemakers, ver un vídeo de cómo se canta en el estadio de Anfield y, por último, la partitura para flauta. Conviene recordar que este tema no se compuso originalmente para ser el himno del club, ya que es una obra creada por Richard Rodgers y Oscar Hammerstein para el musical Carousel en el año 1945. Desde ese momento, grandes cantantes la han interpretado, como Frank Sinatra, Johnny Cash o Elvis Presley. Ahora no esperes más: pincha en la imagen, coge la flauta y realiza tu propia versión.
Nota: la aplicación tiene dos páginas, por lo que tienes que pinchar en el marcador situado arriba a la derecha para acceder a la segunda.
Como bien sabéis, hoy se celebra en todo el mundo el Día del Libro. Pero en esta fecha también se conmemora el Día Internacional del Choro, uno de los géneros musicales más característicos de Brasil. El choro (en portugués, lloro o llanto), es un género instrumental que cuenta con más de 130 años de existencia y que está considerado como la primera música popular urbana típica de Brasil. A pesar del nombre, su ritmo suele ser movido y alegre, caracterizado por el virtuosismo y la improvisación de los músicos, los cuales precisan tener pleno dominio del instrumento y una musicalidad exquisita. Las agrupaciones de choro suelen contar con uno o más instrumentos solistas, como la flauta travesera o el bandolim, que ejecutan la melodía, junto al cavaquinho y una o más guitarras (destacando entre éstas la conocida como violão de 7 cordas), además del pandero como marcador del ritmo. Surgió como forma musical a mediados de 1870 en Río de Janeiro, y en los inicios era considerada como una forma autóctona y peculiar de tocar ciertos ritmos europeos que eran populares en aquel tiempo, como el vals, el chotis o la polca. Como curiosidad, señalar que, aunque el choro es un género puramente instrumental, de vez en cuando algún compositor le pone letra, hecho que genera discusiones entre los chorões (intérpretes de choro), debido a las opiniones a favor o en contra de esta medida. El Día Internacional del Choro se celebra el 23 de abril por ser ésta la fecha de nacimiento de uno de los máximos representantes de este estilo, el flautista Alfredo da Rocha Viana Filho, conocido popularmente como Pixinguinha. Otros músicos destacados de choro han sido Jacob do Bandolim, Ernesto Nazareth, Chiquinha Gonzaga y Waldir Azevedo, entre otros. En palabras del gran Heitor Villalobos, el choro representa “la verdadera encarnación del alma brasileña”.
En el vídeo que aparece a continuación puedes ver al bandolinista Dudu Maia acompañado de otros músicos de la capital del país, Brasilia, que se ha convertido en los últimos tiempos en el principal centro de difusión de esta música, debido principalmente a la labor desempeñada por el Clube do Choro de Brasilia.
De izquierda a derecha, los instrumentos son: pandero, cavaquinho, acordeón, bandolim, guitarra y violão de 7 cordas.
En el siguiente cortometraje, dirigido por los suecos Johannes Stjärne Nilsson y Ola Simonsson, seis jóvenes esperan pacientemente a que un matrimonio abandone su hogar para asaltar su apartamento. Pero, en contra de lo que puedes imaginar, no aprovechan su ausencia para desvalijarlo, sino que únicamente van en busca de los sonidos y ritmos que se esconden en todos y cada uno de los objetos que se encuentran en la casa. Realizado en el año 2001, este trabajo recibió numerosos galardones, incluida una nominación en el apartado de mejor cortometraje en el prestigioso Festival de Cannes. ¡No te lo pierdas!
En este blog ya habíamos hablado de otras aplicaciones por el estilo:
Los dos vídeos que aparecen a continuación no muestran de manera explícita el proceso de construcción de un violín, pero sí nos ayudan a comprender un poco mejor la esencia del trabajo de un luthier. El primero de ellos se centra en la figura del checo Tomas Pospichal, y en él vemos en unos cuantos pasos cómo de unas simples maderas nace un violín. En el segundo de ellos, el londinense John Procter pone a punto un arco de violín, accesorio de vital importancia a la hora de definir el timbre del instrumento.
Tomas Pospichal - Música: Canon de Pachelbel en Re Mayor
El edificio protagonista de esta sección, Espacios de Música, se trata del Palau de les Arts Reina Sofía, diseñado por el arquitecto valenciano Santiago Calatrava. Fue inaugurado el 8 de octubre de 2005 y es la sede permanente de la Orquesta de la Comunidad Valenciana. La innovadora arquitectura de este edificio, de más de 40.000 m2 y 75 metros de alto, alberga cuatro espacios escénicos para espectáculos de ópera, música, ballet y teatro. La Sala Principal tiene una capacidad para 1481 plazas distribuidas entre patio y cuatro niveles de palcos, y fue concebida fundamentalmente para representaciones de ópera. El Aula Magistral, con cuatrocientas butacas, está dedicada a conferencias o conciertos de cámara. El Auditorio cuenta con el mayor aforo: 1500 personas. Se trata de un espectacular recinto para multitud de acontecimientos, desde mítines políticos hasta conciertos de música. Y, por último, el Teatro de Cámara, edificio adyacente al Palau en el que se celebran espectáculos teatrales, de danza y musicales. Para saber muchas más cosas acerca de este impresionante Palau, échale un vistazo al siguiente vídeo:
Lascia ch'io pianga es una famosa aria de la ópera Rinaldo, de Georg Friedrich Haendel (1685 - 1759). He realizado el arreglo para flautas I y II, xilófonos altos y xilófono bajo, aunque también se pueden sustituir las flautas por carillones sopranos y contraltos. Así es como la hemos interpretado recientemente con el grupo de 4º de ESO y el resultado ha sido francamente bueno, como no podía ser de otra manera... Felicidades desde aquí a los alumnos de música :-) La aplicación Wix que he preparado contiene la partitura en cuestión, el mp3 que la reproduce, un vídeo de la soprano Hayley Westenra y el libro Momentos Estelares de la Humanidad, de Stefan Zweig. Este libro dedica uno de los capítulos a la figura del compositor, concretamente el titulado "La Resurrección de Haendel", y en él se relatan los momentos y acontecimientos que precedieron a la gestación de su célebre oratorio El Mesías. Te recomiendo esta lectura y la del resto de capítulos que conforman el libro: el que trata de la caída del imperio de Oriente, la derrota de Napoleón en 1815, el indulto de Dostoievski momentos antes de su ejecución en 1849, etc. En fin, un libro impresionante. ¡Anímate!.
A partir de hoy tenemos nueva sección en el blog: Orquestas del Mundo. Por aquí irán pasando algunas de las agrupaciones sinfónicas más importantes del planeta, orquestas que han destacado a lo largo de los años por su buen hacer y que ya tienen su hueco en la historia de la música clásica. Y para empezar he escogido la Real Orquesta del Concertgebouw, la cual fue considerada hace poco tiempo como la mejor orquesta del mundo, en opinión de los críticos musicales. Tiene su sede en Amsterdam, Holanda, y recibe este nombre por ser el Concertgebouw (sala de conciertos, en holandés), el lugar en el que ofrece sus presentaciones. Dio su primer concierto en el 1888, bajo la dirección del director principal en sus primeros siete años, Willem Kess. A pesar de ser una orquesta centenaria, únicamente seis personas han sido directores principales de la Concertgebouw. El siguiente director, Willem Mengelberg, estuvo en el cargo entre los años 1895 y 1945, nada menos que ¡50 años!. Eduard van Beinum, su sucesor, protagonizó el triste hecho de fallecer de un ataque cardíaco en el podio cuando ensayaba la Sinfonía Nº1 de Johannes Brahms. Los tres últimos directores son los más conocidos para el gran público y siguen todavía en activo. Con Bernard Haitink (1963 - 1988) aumentó considerablemente el número de grabaciones discográficas, Riccardo Chailly (1988 - 2004) fue el primer director no holandés que tuvo el puesto, y en la actualidad la partitura va al ritmo del letón Mariss Jansons, quien asumió el mando en 2004: “Los músicos esperan algo extra de mí: una interesante interpretación de la pieza, unas ideas brillantes, una fantasía. Si les ofrezco eso, ellos ejecutan las obras apasionadamente, como si fueran nuevas, a pesar de que han sido interpretadas millones de veces”.
Señalar, por último, que la orquesta cuenta su propio sello discográfico, KCO Live, y que en estos momentos hay dos españoles formando parte de la plantilla: Lucas Macías Navarro (oboe) y Gustavo Gimeno (percusión).
La obra que vas a escuchar a continuación se trata de Petrushka, de Igor Stravinsky, dirigida en esta ocasión por Andris Nelsons. Espero que te guste.
2º ESO. Descubrir la Música: Danza Húngara Nº 5, de Johannes Brahms
1 comentarios Publicado por Óscar a las 23:00Aunque la versión que hemos escuchado esta semana en el aula está interpretada por una orquesta sinfónica, la Danza Húngara Nº 5 fue compuesta originalmente para piano a cuatro manos. Forma parte de una serie de veintiuna danzas basadas en temas del folklore húngaro, y fue el propio Johannes Brahms (1883 - 1897) el que adaptó posteriormente algunas de ellas para piano solo y otras (como la primera, tercera y décima) para orquesta. Brahms pertenece a la época del Romanticismo musical, aunque está considerado como el más clásico de los románticos, ya que muchas de sus composiciones conservan características musicales propias del período anterior. Es ahora cuando el piano se convierte en el instrumento rey, y no hay músico que no componga para este instrumento, habiendo algunos, como es el caso de Chopin, que lo hace casi exclusivamente. Pequeñas piezas para piano se incorporan al repertorio: valses, nocturnos, polonesas, preludios y mazurcas son interpretadas con regularidad en los salones de música, y autores como Schubert, Schumann, Chopin y el propio Bramhs son sus mejores exponentes. Todos ellos aprovechan estas nuevas formas musicales para expresar sus sentimientos con total libertad de composición. Por otra parte, es necesario destacar el hecho de que están creadas con espíritu concertístico, ya que difícilmente podrían ser utilizadas para acompañar el baile.
Volviendo a la danza que nos ocupa, decir que es una de las piezas clásicas más famosas, motivo por el cual se han hecho numerosas transcripciones para otros instrumentos o agrupaciones instrumentales. La aplicación anterior contiene varios vídeos, que paso a enumerar:
- Versión para orquesta. Está transcita por Antonin Dvorak (1841 - 1904) e interpretada por la Orquesta de Radio Televisión Española bajo la dirección de Jesús López Cobos.
- Piano solo. Transcrita por el compositor e interpretada por Caroline Clipsham.
- Piano a cuatro manos. Es la versión original de Brahms, con Ana Bogani y Fernando Puchol al piano.
- Versión para violín y piano, con el gran Yehudi Menuhin.
- Robert Tiso, ¡con copas de agua!
- Por último, una escena de la película "El Gran Dictador", del inolvidable Charles Chaplin, en la que suena esta danza. No te la pierdas...
Aquí os dejo la partitura para piano solo. Pinchad en el recuadro situado en la parte inferior del documento para seguir la partitura en pantalla completa mientras escucháis la versión para piano.
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| Emiliano Cano recibiendo el Jamón del 1er Premio del Festival de Vídeo de Madrid (2009). |
EN GARDE! es un cortometraje del realizador Emiliano Cano (Madrid, 1981), ganador, entre otros, del 2º Premio Sección Experimental del ciclo Curtas na Rede que se celebra en nuestra ciudad, La Coruña. Mira el vídeo y contéstame: ¿todavía piensas que un director de orquesta no sirve para nada?...
Desde Mis Apuntes Musicales queremos sumarnos nuevamente a la conmemoración de este día con la publicación de dos vídeos que tienen a la mujer como protagonista principal. El primero de ellos es un documental que trata sobre la relación entre feminismo y música, y del papel de la mujer en la música a lo largo de la Historia. En el segundo vídeo conocerás a una de las pocas mujeres que ha dirigido a algunas de las grandes orquestas sinfónicas del mundo. Y es española: Inma Shara.
Feminismo y Música
"... La historia de las mujeres en la música era, hasta tiempos recientes, una historia no dicha. Las instrumentistas, las directoras, las mecenas, las compositoras, no aparecían en los libros de historia, ni sus obras se tocaban en los conciertos, ni se encontraban en las tiendas de discos. La musicología feminista surge, en un principio, para enmendar esta carencia..."
Entrevista a la directora Inma Shara, por Juan Ramón Lucas
Haz click aquí para ver la entrada del año pasado.
Rebuscando en el material que tengo pendiente de publicar en el blog, he encontrado esta excelente animación musical en la que se hace un recorrido por algunos de los momentos más destacados del famoso cuarteto de Liverpool. Fue creada con motivo de la promoción del videojuego The Beatles Rockband, y os la dejo aquí ahora como complemento a la anterior entrada publicada en el blog. No esperes más, dale al play:
Haced caso a Obama y pinchad sobre la fotografía: en la aplicación encontraréis la partitura para instrumentos Orff de Nowhere Man, la letra traducida al castellano, el vídeo de la canción incluida en la película de animación Yellow Submarine y un estupendo especial interactivo que publicó el diario El Mundo hace unos días con motivo del 50º aniversario de la primera aparición de la banda en el club The Cavern.
Estoy seguro de que has visto más de una vez el anuncio que protagoniza esta entrada, ¿verdad?. La canción que suena es If you wanna be happy, y la versión de Jimmy Soul ocupó el puesto número 1 de las listas de éxitos norteamericanas en el año 1963. Curiosamente, este éxito fue el único del artista, hecho que le hizo renunciar a la carrera musical para alistarse posteriormente en la Armada de las Fuerzas Americanas. A continuación puedes escuchar la versión original y también cómo sonaría la partitura para flauta que se incluye al final de esta entrada:
En la siguiente serie de vídeos puedes ver el anuncio protagonizado por David Bisbal donde interpreta esta melodía, el que se emitía en verano de 2010 y en el cual participaba el coro de niños New London Children's Choir, otro en donde se muestra el proceso de grabación de la canción y, por último, una actuación en vivo de este magnífico coro:
No esperes más, haz click en el icono para descargar la partitura y tocarla con la flauta:
El siguiente documental se centra en la figura de Vicente Carrillo, guitarrero de Casasimarro (Cuenca), galardonado con el Premio Nacional de Artesanía en el año 2010. El programa, emitido dentro de la serie Los Oficios de la Cultura de Televisión Española, hace un recorrido por la trayectoria de uno de los constructores de guitarra más importantes de España. Acércate un poco más al interesante arte de la luthería de la mano de Vicente Carrillo:
Observa el siguiente vídeo elaborado por Mateusz Zdziebko: comprobarás cómo es posible hacer música sin la ayuda de un instrumento musical. Para ello utiliza una serie de objetos presentes en la vida cotidiana de cada uno... Copas de vino, un secador, una vieja cámara fotográfica o un rollo de cinta aislante son algunas de las cosas que, debidamente combinadas, dan lugar finalmente a esta pequeña gran pieza musical.
Tomando como base la partitura para flauta publicada por Mª Jesús Camino en su blog de Recursos Musicales, he realizado un arreglo de la famosa canción de Abba para ser interpretado a cuatro voces. La distribución que hemos utilizado en clase durante el primer trimestre ha sido la siguiente: flautas I y II, xilófonos altos y xilófono bajo. El acompañamiento no está confeccionado siguiendo la versión original de Chiquitita, ya que está pensado para que sea asequible a todo el alumnado. De todas formas, suena bastante mejor si el profesor refuerza el grupo con un piano o una guitarra (como es mi caso). Por último, agradecer a Mª Jesús Camino el que comparta con todos nosotros la gran cantidad de recursos que aparecen en su maravilloso blog.
La Maison en Petits Cubes, del japonés Kunio Kato, es un cortometraje animado ganador, entre otros premios, del Oscar al mejor cortometraje animado en el año 2009. Aunque elaborado digitalmente, su autor utiliza el formato 2D para hacerlo parecer un dibujo tradicional de esos que parece se van extinguiendo y que tanta ternura transmiten. En él se nos muestra una metáfora visual sobre los desastres naturales provocados por el calentamiento global y de cómo el hombre se aferra a la vida y a sus raíces elevándose cada vez más, construyendo una y otra vez más alta su morada y llevándose consigo todas sus pertenencias emocionales y todo aquello a lo que se aferra. Tras varias decenas de años, lo que en su momento fue una casa grande y llena de vida se irá encogiendo, al igual que sus sueños y aspiraciones, para acabar solo en una habitación y con poco más que sus recuerdos. Sin duda, uno de los mejores cortometrajes que he visto nunca, un verdadero poema visual.
La Fundación Joaquín Díaz, cuya sede se encuentra en Urueña (Valladolid), es una entidad cultural privada, sin ánimo de lucro, cuyo fin principal es contribuir a la valoración y difusión del patrimonio legado por la tradición. En ella se albergan diversas colecciones, cedidas para su visita o consulta por el eminente folklorista Joaquín Díaz, así como numerosos archivos orales, escritos y gráficos que pueden ser consultados a través de su página web. Gracias a ella podemos visitar el Museo Virtual de Instrumentos, en el que se recoge un amplio catálogo de instrumentos del folklore ibérico, contando cada uno de ellos con su correspondiente ficha, fotografía y archivo sonoro. Haz click en la imagen para acceder a este impresionante museo virtual.
Si quieres saber un poco más acerca de la labor de Joaquín Díaz, director de la Fundación y del Centro Etnográfico del mismo nombre, aquí tienes este vídeo:
3º ESO. Descubrir la Música: Sonata en Re, de Mateo Albéniz
1 comentarios Publicado por Óscar a las 19:39Mateo Antonio Pérez de Albéniz, más popularmente conocido como Mateo Albéniz, nació en Logroño el año 1755. Su obra abarcó composiciones religiosas (misas, oficios de difuntos, motetes, villancicos, etc.), aunque también cultivó piezas de carácter más mundano, como es el caso de esta famosa Sonata en Re. Mateo Albéniz es un claro ejemplo de compositor que debe su fama casi exclusivamente a una única pieza, la Sonata antes citada, pero esta circunstancia se debe, en parte, a que todas sus composiciones religiosas anteriores a 1813 se perdieron en el incendio y saqueo de San Sebastián por las tropas inglesas persiguiendo la retaguardia francesa durante la Guerra de la Independencia (1808 - 1814). En esta ciudad había ocupado Albéniz los cargos de maestro de capilla y organista de la iglesia de Santa María durante 29 años, de 1800 a 1829. Escribió también una obra teórica llamada Instrucción Metódica, Especulativa y Práctica para Enseñar a Cantar y Tañer la Música Moderna y Antigua y exaltó a Haydn y Mozart, siendo el primero en España en imprimir extensos ejemplos de la música de ellos para que los estudiantes los imitaran.
De la Sonata en Re, originalmente compuesta para teclado, se han realizado numerosas transcripciones; en el vídeo que aparece a continuación verás una para orquesta. Y como artista invitada, nada menos que la gran Lucero Tena, a la que ya dedicamos con anterioridad una entrada en este blog. Ahora sigue la audición ayudándote del musicograma que aparece en el libro de texto.
Escucha aquí su disco "O Avesso":
¿Te gustó? Pincha en la imagen para descargarlo.
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